Starship Troopers è stato forse il film meno capito dall’industria cinematografica. In molti l’hanno preso troppo sul serio trasformandolo in un semplice e puerile film di fantascienza, recitato male, con una storia assurda, destinato ad un pubblico di nerd che ne hanno poi potuto apprezzare i sequel da videocassetta. In realtà Starship Troopers è una gigantesca presa in giro degli Stati Uniti.

La Terra, unificata sotto il comando degli americani, rivolge le proprie mire espansionistiche verso l’universo; trova una razza inferiore, gli insetti, pronta ad essere schiacciata con un semplice stivale, ma che invece si rivela inaspettatamente avversario molto più ostico e disposto a tutto pur di resistere all’invasione (e qui ovviamente si sente puzza di Vietnam), arrivando a sparare missili dal sedere, quasi in segno di scherno all’onnipotenza umana.

Caratterizzazione molto probabilmente sgradita a molti è la trasformazione della democrazia americanca in una dittatura militaresca classista e filonazista (le divise degli ufficiali ricalcano le uniformi del Terzo Reich), dove la cultura del fisico domina sul cervello e dove la popolazione viene divisa in civili e militari. Solo col servizio militare si può ottenere la cittadinanza e quindi una serie di privilegi negati ai semplici civili, perché solo col servizio militare si può aiutare la propria Terra: “Io faccio la mia parte. E tu?”. Eppure quando si muore si è solo delle semplici unità.

Rientrano in questa allegoria anche i mass media, con i telegiornali che ripropongono una versione stereotipata del Why we fight capriano degli anni ’40 ed incitano la popolazione, uomini, donne e bambini, ad entrare in guerra. Gli inviati di guerra delle missioni del Golfo/Vietnam, in prima linea insieme ai soldati, vengono qui ripresi nella loro più totale idiozia di catturare giornalisticamente la realtà nel suo evolversi. I cronisti non abbandonano il campo di fronte agli insetti fino a farsi mangiare e dilaniare; i cameraman non staccano mai l’inquadratura, persino nel riprendere il cronista mangiato, fino a farsi infilzare a loro volta perché da casa “si vuole sempre sapere di più”.

Il nemico raggiunge poi la Terra, attraverso un meteorite, da sempre simbolo della minaccia dell’estinzione della vita (un anno più tardi, due film avranno il meteorite come protagonista, Armageddon e Deep Impact), ma anche del suo cambiamento. E infatti ecco come la guida dell’esercito passi nelle mani di una donna e all’orizzonte si affacci una filosofia di vita (un po’ zen, un po’ panteista, un po’ new age) dove il cervello inizia ad essere preso in considerazione grazie anche alle sue capacità paranormali. E puntualmente si scopre che a questo traguardo gli alieni c’erano arrivati già da un pezzo, ma alla fine dei conti noi siamo solo barbari, quindi tanto vale dare una bella trapanata al cervello di un insetto e provare a capire come funziona.

Se Starship Troopers fosse uscito negli anni ’60,’70 o nel decennio scorso, staremmo parlando di un nuovo M.A.S.H. Uscendo nel ’97, in un periodo di insolita tranquillità per la politica estera americana, finì ben presto nel dimenticatoio.

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Once è un film irlandese del 2006 (uscito in Italia due anni più tardi), scritto e diretto da John Carney. Della storia raccontata molto probabilmente, una volta che l’avrete visto, vi rimarrà poco e niente.

Un cantante di strada, uno dei tanti che potete trovare a Dublino, sogna di incidere un disco per dare una svolta alla propria vita e cercare una sorta di riscatto verso l’ex compagna. Con l’aiuto di una ragazza immigrata il disco ovviamente verrà inciso e…….

Il film ebbe non pochi problemi di produzione. All’ultimo, la maggior parte degli investitori si ritirarono e così John Carney chiese all’amico musicista, ed ex compagno di band, Glen Hansard di non limitarsi semplicemente a scrivergli la colonna sonora, ma di partecipare al film come protagonista, affiancandogli Markéta Irglova (seconda voce nella band di Glen Hansard) nel ruolo della ragazza immigrata.

I costi vennero ridotti al minimo e il film fu girato in diciasette giorni. Le molte riprese per strada vennero girate abusivamente, senza chiedere nessun permesso, con l’utilizzo di un teleobiettivo. I passanti non si resero conto di partecipare alla realizzazione di un film e i due cantanti protagonisti, a corto di esperienze da set, poterono sentirsi più naturali nel recitare e soprattutto nel cantare.

Più che un film infatti quello che vedrete sarà una colonna sonora. La musica si prende ampie parentesi all’interno della narrazione, costituendo di fatto la vera attrattiva di Once. La scena di Glen Hansard che canta in mezzo la strada e l’incisione del disco nello studio di registrazione sono scene da vedere e rivedere, o meglio, da sentire e risentire. Il brano Falling Slowly valse ai due protagonisti il premio Oscar come miglior canzone scritta per un film nel 2008, portando il film ad essere conosciuto in buona parte del mondo e quindi anche in Italia dove finalmente ottenne una distribuzione.

E’ forse però When your mind’s made up, dedicato all’ex compagna del ragazzo, a lasciare maggiormente il segno durante la narrazione, quando Hansard la canta e la urla per le strade di Dublino; a quel punto capite che sì, il film è carino ma niente d’eccezionale, però qualcosa per cui valga la pena arrivare in fondo alla visione c’è.

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Si è sfiorato il conflitto finale in casa quando la mia compagna se n’è uscita dal suo limbo, fatto di Bergman & C., per convincermi che Horror Movie è un grande film.
Fucilata peggiore della prima stilettata: “Una sera ho visto Hot Movie (parodia di Ti Presento i Miei), e non finivo più di ridere”.
A quel punto ho fatto la domanda che mai avrei dovuto fare: “Tu hai visto Ti presento i miei?” “Tutti e due! Li vedo ogni volta che li danno in televisione!”
Il non aver visto il terzo episodio (ma solo perchè ne ignorava l’esistenza) credo sia stato l’unico elemento ad aver salvato casa dalla detonazione.
Sadica, mi porta al computer, si collega a youtube e trova qualche immagine di Hot Movie da farmi vedere per dimostrarmi la sua tesi. Vederla sganasciarsi dal ridere mentre sullo schermo passa la parodia del gatto defecante nel water è per me sensazione peggiore del rompighiaccio conficcato da Catherine Tramell nel petto degli amanti.

Ma come spesso accade in queste situazioni, senza motivo, la sua risata trascina la mia.
A quel punto l’ho odiata e maledetta.
“Ti mancano i fondamentali: i film che tentano di imitare”
“Quello con la Morte Nera l’ho già visto e mi fa c……e”
E’ incredibile quanto riescano a piazzarti un colpo basso quando meno te l’aspetti.
“Ma solo perchè non ho visto Guerre Stellari”
E in un attimo diventa splendida come la Venere di Botticelli.
Da staccargli la testa! Balle spaziali ti fa cosa???
“Ti mancano i fondamentali”

E a tradimento la convinco a passare la serata sul divano a guardare L’aereo più pazzo del mondo.
Gli inizi sono scoraggianti, fra un “e questro dovrebbe far ridere?” e l’altro. Ma sui fratelli Zucker e il buon vecchio Abrahams si può sempre fare affidamento. Appena compare il cardiologo col cuore da trapiantare pulsante sulla scrivania, inizio a gustare la vendetta, raggiungendo l’apoteosi quando l’hostess, avvicinatasi ad un non ben identificato passeggero “Scusi, lei è medico?”, si sente rispondere “Perchè? Non si vede?” da un Leslie Nielsen caricaturalmente, per contrasto, serio, con uno stetoscopio infilato nelle orecchie.
Finito il film, non posso fare a meno di mostrare il mio ghigno beffardo quando, mentre scendiamo le scale, sento ripetere dietro di me all’infinito “Perchè? Non si vede?”
Una Waterloo senza precedenti.

Tutta questa menata in sostanza per dirvi semplicemente che, in periodo di uscite di film dementi più che demenziali, una bella riscoperta di classici della comicità e della parodia come L’Aereo più pazzo del mondo & Company può solo fare bene.
Film dove la gag era studiata e mai fine a sè stessa. L’aereo… si apre proprio con un lungo sketch dei due speaker dell’aeroporto sul tema dell’aborto. Tutt’altra storia rispetto la mucca finta che cade in testa ad un personaggio, tipico della serie Hot Movie. Che per carità, può anche far ridere sul momento, poi ci ripensi e ti chiedi che senso avesse. E allora, se piace il nonsense, tanto vale farsi una serata Groucho Marx.

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Il Museo Alinari (Firenze, Largo Fratelli Alinari) ospita fino al 25 marzo la prima importante esposizione dedicata all’attività di Brian Duffy (1933-2010), leggendario fotografo inglese.

La mostra arriva in prima assoluta in Italia dopo il grande successo ottenuto alla Idea Generation Gallery di Londra. Celebrato autore di tante immagini della Swinging London e famoso per le sue fotografie a musicisti, attori e modelle, Duffy ha creato il culto del fotografo di moda mettendo se stesso al centro della passerella, insieme a modelle e celebrità. All’apice della sua carriera, nel 1979, Duffy ha lasciato la fotografia. Ha radunato la maggior parte dei suoi lavori nel giardino dietro casa e ne ha fatto un falò.

Il figlio Chris, con opera certosina e dopo anni di ricerche tra gli archivi e le pubblicazioni di tutto il mondo, è riuscito a recuperare le 160 fotografie che compongono la mostra. E’ un insieme di immagini, rare e inedite, che offre un vero e proprio spaccato dell’iconografia culturale degli anni ’60 e ’70: dai divi cinematografici quali Michael Caine e Sidney Poitier, alle rock star come John Lennon, David Bowie e Debbie Harry. Dal glamour della top model Jean “Shrimp” Shrimpton e della Bond girl Joanna Lumley,  alla leggenda letteraria William Burroughs.

La raccolta delle opere ora in mostra non fa che confermare il ruolo fondamentale che Duffy ha avuto nella fotografia inglese quale membro della famosa “Black Trinity” (con David Bailey e Terence Donovan). Un trio, questo, che definì il linguaggio visivo della Swinging London degli anni Sessanta.

Anni ’60 che, dalle pagine di “Harper’s Bazar” e di “Vogue”, sono stati immortalati dai suoi memorabili scatti. Moltissime, per non dire quasi tutte, furono le star musicali di quegli anni da lui fotografate: oltre ai già ricordati Lennon, Bowie e Harry anche The Shadows, The Hollies, Jane Birkin, Black Sabbath, Frankie Miller, Marianne Faithfull, Blondie e Paul McCartney.  Dal 1957, quando iniziò a lavorare per “British Vogue” come fotografo di moda, Duffy ha realizzato numerosi ritratti spaziando tra il cinema, la musica, la pubblicità, la moda e la letteratura. Basti ricordare, una su tutte, la celeberrima copertina del LP “Aladdin sane” (1973) che, mostrando un David Bowie con un pesante make-up a forma di fulmine sul volto, diventa fin da subito un’icona glam pop.

Non è un caso se nel 2010, anno della sua scomparsa, la BBC ha tributato a Brian Duffy un omaggio postumo realizzando un documentario dall’eloquente titolo: “The man who shot the 60s“.

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Nei giorni di festa i palinsesti televisivi programmano uno dietro l’altro i grandi classici di Natale o comunque film per famiglie. La Disney va per la maggiore su qualsiasi canale. Non so se sia previsto quest’anno, ma sicuramente uno degli intramontabili Disneyani rimane senza dubbio Pomi d’ottone e manici di scopa, capace di affascinare bambini di ogni generazione con la sua commistione fra cartone animato e tradizionale pellicola. La partita di calcio fra la squadra del re degli animali e la squadra blu ancora oggi non smette di farmi quantomeno sorridere, mentre qualsiasi bambino non può non rimanere affascinato dalla battaglia finale fra le armature medievali e i soldati tedeschi. Ma è proprio questa parte della trama (non presente nel racconto originale di Pamela Lyndon Travers) a focalizzare l’attenzione del mio ragionamento.

Il film esce nel 1971.Gli Stati Uniti sono impantanati sul fronte vietnamita da oltre 7 anni. Prima del graduale disimpegno, che inizierà solamente due anni più tardi, Nixon è ancora impegnato nei bombardamenti a tappeto di Cambogia, Laos e Vietnam; in America Latina ogni colpo di Stato capace di rimuovere la minaccia comunista viene appoggiato e finanziato. I pacifisti guadagnano sempre più favori nell’opinione comune. Come avvenne per la Seconda Guerra Mondiale,  bisogna trovare un mezzo attraverso il quale veicolare alla popolazione il messaggio dell’interventismo bellico contro qualsiasi nemico americano, contro il Male e il suo regno del Terrore. Negli anni ’40 Hollywood, da sempre caratterizzata per l’origine ebraica dei suoi produttori, corse ad attingere a piene mani dal filone bellico per convogliare il messaggio che fermare il dominio nazista era dovere di ogni uomo di questa terra, soprattutto se credente. Why we fight titolava didascalico Franck Capra. Forse però Il Sergente York rimane in questo senso uno dei film maggiormente esemplari. Così come è significativo come persino i cartoni animati Disney si arruolarono per sconfiggere i tedeschi e i giapponesi, coinvolgendo gli stessi bambini nella campagna mediatica imperante sugli schermi cinematografici.

Trent’anni più tardi però la situazione ad Hollywood è radicalmente cambiata. I “comunisti” sono sopravvisuti agli anni del maccartismo e gli ebrei non vedono niente di positivo o di loro interesse nello scontro asiatico. Walt Disney, anch’esso ebreo, è morto da cinque anni, ma la sua visione di un mondo capace di unirsi per portare avanti una guerra sacra, una crociata, contro le forze del “Male” è ancora vivo negli Studios. Così ecco come nel film Pomi d’ottone e manici di scopa venga nuovamente inserito un messaggio di interventismo bellico, perché, come ci insegna Emelius Browne (e come insegna ai bambini protagonisti della pellicola), un uomo, quando vede la propria patria minacciata (l’America assediata dal “pericolo rosso” come l’Inghilterra dai nazisti), deve essere capace di mollare la propria casa, la propria vita, la donna che ama, per arruolarsi o comunque combattere per il paese. Tutti quanti devono dare il proprio contributo. E allora a questo punto uno si chiede: ma ha ancora senso programmare un film dichiaratamente bellico in periodo natalizio?

Portobello road…..

Portobello road….

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Stereogum, uno dei migliori siti musicali, ha realizzato un video nel quale sono ricordate le Band che hanno deciso, per un motivo o un altro, di attaccare la chitarra al chiodo. Buona visione… con un pizzico di malinconia.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

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Facciamo un salto indietro nel tempo, 1942, l’Europa assiste inerme all’espansione nazista; esce in America la commedia Vogliamo vivere!, titolo originale To Be or not To Be, dirige Ernst Lubitsch per una sceneggiatura scritta a sei mani dallo stesso Lubitsch insieme a Edwin Mayer e Melchior Lengyel. Tutti di origine tedesca.

Una compagnia teatrale di Varsavia vede censurarsi uno spettacolo satirico su Hitler per l’arrivo dell’occupazione tedesca. Al suo posto è obbligata a portare in scena Amleto; d’altronde il monologo to be or not to be è uno dei preferiti dell’istrionico ed egocentrico attore principale della compagnia, Joseph Tura, il quale però non sa che la moglie, serata dopo serata, riceve nel proprio camerino, durante il suo pezzo, un corteggiatore dell’aviazione polacca.

Proprio a causa del giovane amatore, la compagnia teatrale si troverà coinvolta in una missione di controspionaggio: fermare una spia nazista che, sotto la falsa identità del professore universitario Siletsky, più volte schieratosi a favore della Resistenza polacca, sta per svelare alla Gestapo i nomi e i rifugi dei parenti degli stessi “ribelli”.

Vogliamo vivere! è il secondo film di Lubitsch dedicato alla Guerra Mondiale; diventato simbolo della commedia sofisticata, in contrapposizione con la commedia romantica e un po’ fiabesca di Capra, il regista tedesco, di origine cecoslovacca, altra nazione sotto il giogo teutonico, dirige una delle pietre miliari della storia del cinema per costruzione della storia e delle scene.

In Vogliamo vivere! tutto è doppio; una prima volta viene rappresentato nella sua forma disinnescata, innocua, naturale; la seconda volta costituisce un’ “arma” per sconfiggere e raggirare le SS. E le armi a disposizione di una compagnia teatrale sono semplicemente i costumi di scena, i copioni e la recitazione. Così, per esempio, un vestito di scena può diventare l’abito di una serata elegante col gerarca di turno nel tentativo di carpire qualche informazione utile, oppure tutti gli elementi dello spettacolo satirico su Hitler (ne assistiamo durante l’incipit alle prove) vengono utilizzati per raggirare i vertici in capo dell’esercito tedesco in Polonia, un esercito descritto come un branco di pecoroni, un po’ maniaci (il colonnello “Concentrone”, fiero del proprio soprannome, poiché tutti gli invidiano i suoi amati campi di concentramento), capaci di cadere in un’estasi cultuale di fronte al loro fuhrer.

Vogliamo vivere! esce quando le leggi verso gli ebrei, gli oppositori e le altre minoranze sono già state emanate, si conoscono le dislocazioni dei campi di concentramento ma si credono ancora semplici campi di prigionia. Le sue battute possono apparire oggi fuori luogo, all’epoca furono un coraggioso attacco e una forte denuncia, seppur coi toni leggeri della commedia, in un paese, quale gli Stati Uniti, che ancora ignorava e si disinteressava della Germania nazista. Il monologo di Shylock da Il mercante di Venezia, può volte ripreso nel testo come occasione perduta, diventa la più forte accusa mai espressa dal mondo hollywoodiano nei confronti di quello che per anni, sul grande schermo, diventerà, coi propri alleati, il nemico da sconfiggere, il male da annientare. 

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Uscito questo weekend il nuovo film targato George Clooney, Le idi di marzo, dove l’attore firma regia e sceneggiatura, quest’ultima insieme a Grant Heslov, già co-sceneggiatore per il plot di Good Night and Good Luck. Un film oggettivamente interessante.

Personalmente sono curioso di vedere la nuova scelta del bel George. Da anni ormai l’ex E.R. compie scelte non singolari per un attore che ha avuto dalla bellezza tutta la sua carriera. Alcune di queste scelte non vengono completamente apprezzate e catalogate al contrario come il nuovo film dozzinale di George. Nemmeno i Cohen con Prima ti sposo, poi ti rovino sono sfuggiti a questo destino (la versione italiana del titolo ha contribuito parecchio).

Sorte analoga è toccata al Michael Clayton di Tony Gilroy (regia e sceneggiatura), passato totalmente inosservato, come la sua stessa candidatura agli Oscar per sceneggiatura, attore protagonista e non, miglior film e miglior regia (Tilda Swinton premiata miglior attrice non protagonista).

Michael Clayton è un film che ruota attorno ad una semplice domanda: “chi sei?”.

Clooney è un avvocato “pulitore”; viene chiamato non appena accade un incidente (automobilistico come industriale) per indirizzare immediatamente la causa legale seguente, istruendo il cliente, cercando le prove migliori, nascondendo le colpe, mettendo in evidenza punti forti e deboli, per poi passare la mano ai colleghi che si occuperanno della causa vera e propria. E’ un padre, divorziato, senza tempo per il figlio. E’ un giocatore di poker minacciato da un usuraio, dopo aver visto il suo investimento in un bar a conduzione familiare fallire per la scomparsa del fratello con tutti i soldi.

Clayton entra in gioco quando un suo collega-amico, Arthur, ha un esaurimento nervoso nel difendere una casa di produzione di pesticidi, la U-North, da una class-action multimilionaria, iniziando a passare documenti alla controparte, ovvero ad una giovane tenutaria terriera della quale si è invaghito. Arthur deve essere messo a tacere e la causa aggiustata. In caso di successo Clayton otterrà i soldi per ripagare i debiti e magari sistemare la situazione familiare.

Tre storie intersecate l’una nell’altra (risolvi un problema e avrai risolto gli altri) in una sceneggiatura che vede nell’incipit la sua vera perla. Il primo atto in realtà è il terzo, il finale. Non una scelta originale; la straordinarietà sta nel fatto che è costruito con tutti gli stili e i contenuti di un canonico primo atto (presentazione del personaggio, del suo mondo e della sua storia: Clayton vorrebbe tornare in aula ma non gli è concesso, per i suoi vizi e perché bravo a “pulire”) condito da immagini metaforiche (la partita a poker, i tre cavalli, la collina, il navigatore rotto), che racchiudono tutta la vera storia del film, quella che si nasconde dietro la causa U-North e ci fa empatizzare col protagonista.

“Chi sei?” cerca di capire Michael Clayton per tutto il film: un uomo solo carriera? Un padre divorziato che cerca un rapporto col figlio? Un giocatore alcolista pieno di debiti? Un giuda capace di vendere l’amico? Quello da uccidere o da comprare?

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E’ sbarcata sui canali nazionali la serie cult italiana degli ultimi anni, Boris, con una tempistica degna del miglior Gresko. Eppure, nonostante si stia parlando di una serie diventata film nel 2011, alle anteprime romane si facesse a botte per entrare nelle sale cinematografiche predisposte, scommetto che molti di voi non sappiano ancora di cosa stia parlando. Proprio questo è il punto.

Boris è una sit-com italiana trasmessa dal 2007 al 2010 su Fox, uno dei canali Sky, nata per prendere in giro il mondo delle fiction RAI e Mediaset. Essendo su un canale a pagamento, ed un prodotto smaccatamente predisposto per un pubblico giovane, il suo successo non è mai stato calcolato in base all’auditel, semmai ai download avvenuti attraverso la rete internet e ai fenomeni di fandom lentamente generati (“a cazzo di cane!”).

La storia raccontata in Boris è molto semplice: la troupe televisiva comandata dal regista Renè Ferretti tenta di girare la soap opera Gli occhi del cuore 2 in mezzo all’incapacità generale e ai nugoli di raccomandati che si aggirano fra i suoi stessi mestieranti.

Fra le varie sottotrame spiccano le ambizioni, costantemente castrate, di Ferretti di girare qualcosa di diverso dalla consueta “merda” e l’addestramento dello stagista Alessandro.

Il successo di Boris porta i produttori ad impostare un discorso pellicola cinematografica che inevitabilmente finisce col coinvolgere la stessa RAI attraverso la succursale RAI Cinema (potrebbe esserci stato un do ut des, chissà). Nessuno considera il progetto come un clamoroso autogoal, al punto tale che il film esce nelle sale ad inizio 2011 e i dati al botteghino si rivelano disastrosi.

Perchè è presto detto. Chi mai è andato o poteva andare a vedere Boris il film? Solamente gli usuali spettatori di Boris, più, eventualmente, morosi, morose che per una sera si lasciavano convincere ad andare a vedere un film totalmente autoreferenziale. Il secondo problema infatti è stato dare al film una storia totalmente basata e legata alla serie televisiva stessa, rendendo infattibile a tutte le persone, che non avevano visto la serie tv, vedere il film, in quanto impossibilitate a capirci qualcosa. Il doppio precedente illustre di X-Files avrebbe dovuto far riflettere.

Probabilmente, forte dell’accordo do ut des,  o di chissà quale altra genialata, la RAI compra i diritti in chiaro di Boris ed inizia a trasmetterla su RaiTre, tralasciando un altro piccolo dettaglio. Tutti gli interessati alla serie Boris ormai l’hanno già visto e rivisto più volte o ce l’hanno salvato sul loro hard disk o lo riguardano più volentieri su YouTube.

Morale della favola: Boris durerà ben poco sulle reti RAI; la RAI avrà un’arma in più per sbandierare il suo cavallo di battaglia che le fiction vanno fatte come le fanno solitamente loro (ovvero, con raccomandati, starlette e via dicendo – vedi caso Saccà) perché quando propongono qualcosa di diverso nessuno lo guarda e voi che non siete bravi smanettatori di internet vi perderete una delle rare buone serie televisive italiane create per un pubblico diverso da quello di granfratellini o ottuagenari.

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