Una regola non scritta del mondo cinematografico dice che un film, con le prime inquadrature, deve svelare molto, se non tutto, del proprio protagonista e, possibilmente, di quello che si troverà nel proseguo della narrazione. Solitamente si cita a modello d’esempio il carrello iniziale di La finestra sul cortile.

Rango è stato un divertissement dello sceneggiatore John Logan, uno dei più apprezzati screenplayer americani (Ogni maledetta domenica, The Aviator,  il prossimo Lincoln di Spielberg), nato da un’idea concepita insieme al disegnatore James Byrkit e al regista Gore Verbinski (i primi tre Pirati dei Caraibi); un cartone animato del 2011 che ironizza sul mondo western. Protagonista, un camaleonte appassionato di cinema.

Nella prima sequenza lo vediamo recitare nel suo terrario varie scene dozzinali di film melensi che lo codificano come esperto di cinema di genere allo stato puro, bramando una qualche avventura che puntualmente gli rotola fra i piedi, catapultandolo in un villaggio sperduto nel deserto. Qui, un po’ come l’eroe di Ritorno al futuro, un po’ come il sarto dei fratelli Grimm, si spaccia per un grande eroe dal nome Rango e, con l’aiuto del caso, riesce a sconfiggere in duello il rapace che da tempo terrorizza il villaggio, ottenendo al volo la nomina a sceriffo e il proseguo della storia.

Da una parte ci troveremo quindi la bella di turno dal nome Borlotta (Bean nella versione originale) in onore ai mitici fagioli, dall’altra una serie di cavalcate lungo la Monument Valley volutamente senza senso e senza destinazione; duelli (a tre) con un solo colpo in canna, uno spirito del western Eastwoodiano (Clint Eastwood, tra l’altro, era il nome scelto da Marty McFly) a guidare l’eroe durante il suo cammino, e una serie di citazioni dove chi più ne riconosce, meglio sta.

Rango è il classico film a due livelli; il primo adatto ad ogni tipo di spettatore, con una storiella divertente, per grandi e bambini, con animali solitamente non presi in rassegna dai vari cartoon, tutti con la caratteristica di essere esteticamente brutti e sporchi (Dirt, il nome del villaggio); il secondo, prospettato per gli appasionati di cinema che riescono a cogliere in una battuta, in un gesto o in una scena, il riferimento ad un film o allo stereotipo di genere.

Come appunto pronosticato dalla scena iniziale, Rango è un film che parla di cinema; non si prende un genere a caso o il mondo del cinema in generale, si prende il western, genere fondativo del cinema per antonomasia, della sua epica e del suo star system, con un personaggio che con questo mito non ha fatto altro che nutrirsi ed è fisiologicamente portato ad identificarsi con l’ambiente circostante, poiché ne è totalmente imbevuto, al punto tale da riportare in scena persino le cose più insensate solo per il gusto di farlo. Eppure, nonostante la sua preparazione, è un pesce fuor d’acqua, non possedendo quel coraggio di cui l’alter ego Rango si fa vanto, manifestandolo apertamente,  in una continua dicotomia fra l’ “essere” e il “manifestare”.

Amata immortale è una libera interpretazione della vita di Beethoven tratta da una lettera realmente scritta dal compositore

Mio angelo, mio tutto, mio alter ego.

Solo poche parole oggi e scritte a matita, la tua

Solo domani saprò per certo dove andrò a stare.

Che inutile e fastidiosa perdita di tempo.

Perché questo profondo dolore ?

Se potessimo stare insieme, non proveremo più questo struggimento.

Dove sono io, sei tu.

Presto vivremo insieme. E che vita ci attende

Scritto e diretto da Bernard Rose, unico suo film di importante rilevanza internazionale, è in realtà passato abbastanza inosservato, nonostante possa contare sull’interpretazione di Gary Oldman nel suo periodo di “filotto magico”.

La colonna sonora è affidata tutta a brani di Beethoven, con l’orchestra diretta da Georg Solti, uno dei massimi interpreti del compositore tedesco. Il film, lo diciamo subito, può causare forti attacchi depressivi e, nei più emotivi, inarrestabili crisi di pianto.

Dopo la morte di Beethoven, al ritrovamento della lettera, il suo assistente si mette in cerca dell’amante, per riconsegnarle il prezioso ricordo.

Attraverso la sua indagine, viene ricostruita parte della vita di Beethoven, senza però dare troppo spazio ai successi come musicista, anzi, tutt’altro: dalle sua arti da corteggiatore, si passa ben presto ad evidenziare il suo pessimo carattere, che lo porterà alla definitiva solitudine, abbandonato persino dal forte legame coi fratelli, dopo il matrimonio del più giovane con una “poco di buono”.

L’intrattabilità verrà accentuata dall’insorgere prematuro della sordità (elemento centrale del personaggio di Ludwig, incapace di avvertire l’emozioni del mondo esterno, isolato) e dalle relative umiliazioni alla corte imperiale, che lo porteranno all’abbandono delle scene pubbliche, nel vano tentativo di allevare il talento musicale del nipote (dopo la morte del fratello).

Il film è una sorta di indagine poliziesca in tre atti (tre le donne custodi della verità), durante la quale alcuni aspetti della vita di Ludwig verranno analizzati più volte, fino alla scoperta della verità.

Due sicuramente le scene che vi dovranno trovare armati di kleenex, se non per voi, per chi vi sta a fianco: il finale e la scena della Nona Sinfonia, quando viene ricostruito il rapporto violento col padre che, almeno nella finzione, sarà appunto la causa scatenante della sordità e la fonte d’ispirazione per l’Inno alla Gioia.

Senza aggiungere altro, per non rovinare il climax, nonostante gli errori di fotografia, ai più cinefili la scena ricorderà diverse pubblicità e film successivi.

Buon pianto!

Vittorio e Sonia si incontrano dopo essersi conosciuti su internet. Il primo appuntamento non è proprio idilliaco: molta timidezza e una buona dose di goffaggine da parte di Vittorio, che si lascia sfuggire il commento offensivo: “avevi detto che eri magra”.

Fra i due comunque scatta qualcosa, continuano a frequentarsi e ben presto vanno a convivere.

Per il primo atto del film si avverte quasi una sorta di simpatia nei confronti di Vittorio. E’ un uomo brutto, poco affascinante e oltremodo impacciato. Sembra quasi non saper come comportarsi nei confronti di una donna, se non attraverso azioni canoniche, come comprare dei fiori, i quali però vengono puntualmente rovinati perché trasportati in motocicletta e a Vittorio non rimane che buttarli senza consegnarli.

Ma Vittorio è anche un artigiano orafo, manda avanti una piccola bottega; abituato a soppesare a mano piccoli grammi d’oro e a modellare la materia a suo piacimento, trasferisce queste abilità nella propria relazione con Sonia. Improvvisamente la gaffe del primo appuntamento, che sembrava una frase buttata lì quasi a caso, torna alla ribalta. Sonia, nonostante i suoi 57 Kg, si lascia convincere a dimagrire, non sapendo che ben presto diventerà un’ossessione sempre più perversa.

Primo amore è il film di Matteo Garrone antecedente Gomorra. Dopo l’inaspettato successo di critica e pubblico di L’imbalsamatore, è il film che l’ha portato ad essere conosciuto da uno spettatore meno di nicchia. Scritto a sei mani insieme a Massimo Gaudioso e Vitaliano Trevisan (l’attore che interpreta Vittorio), trae spunto dal libro di Marco Mariolini, Il cacciatore di anoressiche, dove l’autore descrive la propria ossessione per la magrezza femminile e la propria vita disturbata che lo porterà, un anno dopo la pubblicazione del racconto, ad uccidere l’ex compagna, come preannunciato nello stesso libro.

In Primo amore gli sceneggiatori lavorano per sottrazione, insieme ai due attori esordienti. Si entra in empatia con Vittorio nella prima parte e il suggerimento di dimagrire viene saggiamente soppesato. All’inizio è un semplice consiglio: “Se non ti piaci, fallo. Ma se ti piaci così, a posto” sostanzialmente.

Entra in gioco il carattere dominante di Vittorio e la personalità debole di Sonia, una modella, abituata a lasciarsi trasformare. La ragazza diventa materia da forgiare nelle mani di Vittorio. Come nella lavorazione dell’oro, bruciare tutto per far rimanere solo quello che conta veramente.

Non ci sono scene di violenza esplicita nel film e Sonia non cade nel tunnel dell’anoressia. Semplicemente, le viene privato il cibo. Come le anoressiche però compila una tabella con le calorie contenute in ogni alimento, mangia solo insalata, ma per arrivare fino a 40 Kg non basta e Vittorio inizia a svuotare il frigo, tenerle sotto controllo i pasti, probirle anche un solo biscotto. La sua violenza è doppia: al cospetto della ragazza ordina e consuma qualsiasi tipo di pietanza.

La sua ossessione cresce sempre di più, annullando le sue abilità di modellatore. Il lavoro va in rovina e il rapporto con Sonia diventa conflittuale, fino a quando la ragazza, esasperata, affamata, non si ribella.

Apro questo post affermando di non avere ancora visto The Artist, trionfatore della serata degli Oscar.  Eppure, con un po’ di spocchia e tracotanza, parlerò proprio di The Artist, anzi, del fenomeno The Artist.

“Quando mi arriva la scheda degli Oscar, solitamente metto una croce sui miei amici, poi, se nelle altre categorie non sono presenti persone che conosco, lascio a mia madre il compito di completare la scheda”

Queste, virgola più, virgola meno, le confessioni di Samuel L. Jackson, membro e giurato dell’Academy Awards, alla vigilia degli Oscar di qualche stagione orsono. Ma come lui, sono molti nel tempo ad aver confessato che all’arrivo del pacco di film a casa per le votazioni, non hanno nemmeno il tempo o la voglia di vederseli tutti, ne scelgono alcuni e mettono croci un po’ a casaccio, fino all’esempio estremo di Jack Palance: al momento di leggere il nome della vincitice per l’attrice non protagonista nel 1993, chiamò Marisa Tomei e, sembra, non il nome effettivamente presente sulla busta del vincitore; sono due le leggende intorno a questa storia, una dice che si volesse portare a letto la Tomei, l’altra che fosse completamente sbronzo.

Sia come sia, le ragioni dell’esistenza degli Oscar sono sostanzialmente due: aumentare i cachet dei vincitori e vendere maggiori biglietti al botteghino. Dal punto di vista cinematografico, vincere un Oscar non ha molto senso, mentre invece, al contrario, collezionare candidature può essere ritenuto artisticamente valido (anche se giustamente ti girano quando non hai ancora vinto alla nona nomination). Le candidature infatti vengono proposte e votate con una serie di passaggi scrematori dai diretti colleghi dei candidati (gli sceneggiatori si occupano delle candidature degli sceneggiatori, i registi dei registi, etc.); il vincitore come descritto sopra. Per diventare un membro dell’Academy o si ha vinto un Oscar o il proprio nome occupa una posizione nella storia del cinema in senso lato, molto lato. Basta aver realizzato due o tre film di successo al botteghino americano e l’invito arriva direttamente a casa, soprattutto agli attori, che nei 6’000 membri dell’Academy occupano la posizione di maggioranza e per tanti di questi il set di un film artisticamente valido è un miraggio (per molti, altrettanto le competenze), quanto in Italia, oggi, un lavoro nel campo in cui ha studiato per un laureato in Lettere e Filosofia.

The Artist è un film furbescamente nostalgico. Parla di un passato che non c’è più, di un’epoca d’oro svanita ed è molto facile farsi affascinare da questo incantesimo, soprattutto per chi, nel mestiere, oggigiorno, non ha più quell’ “aurea divina” dei miti degli anni ’20-’30. Dall’altra parte affascina anche la critichetta sinistrorsa, pronta ad andare in brodo di giuggiole non appena si rivanga il passato dove “si stava meglio quando si stava peggio”. A Cannes, dove tutti si prendono molto più tremendamente sul serio, ha vinto The Tree of Life (tremendamente serio).

(e in ogni caso sono sempre più convinto che Martin Scorsese stia sulle ….. un po’ a tutti i membri dell’Academy)